藝術家分享─陳傑強：「申內利爾色粉細緻、亮麗的特質能使畫面達到聚焦的效果。」

時代小編：「在油畫創作的媒材選擇上，您有特別偏好的品牌或材料嗎？能否分享一下？」
陳傑強：「對我來說，油畫的創作是一個長期且反覆對話的過程，而媒材就是這段對話中不可或缺的語言。經年累月的實驗與比較下來，我慢慢建立起一套自己信任的選擇，也成為我創作節奏的一部分。」
「在顏料方面，我長期使用法國的 Sennelier（申內利爾）大師級油彩。它的質地濃厚卻不黏滯，滑順中帶有一種細緻的阻力，這對我用畫刀推疊顏料的方式來說非常剛好。它裡面添加的蜂蠟讓顏料乾後帶有一種柔和的自然光澤，不會過分反光，反而能讓畫面顯得更沉靜、有層次。我特別喜歡它的幾個色號，像是 305 天藍、339 亮土耳其藍、445 茜棕紅、543 深鎘黃、547 鎘黃橙色，這些色彩在實際使用時飽和度高卻不刺眼，有一種帶有深度的純淨感，能夠很好地支撐我在畫面中表達比較細膩、內斂的情緒。」
「另一個我經常使用的是義大利的 Maimeri Classico（美利）油彩，這個系列的顏料色系很有辨識度，尤其在某些明亮色階上表現得非常穩定而且鮮明。有些色號像是 410 酞菁藍綠、492 焦赭、368 天藍，在我畫面中要拉出空間對比、或創造某些視覺節奏的時候，這些顏色常常能給我一些新的驚喜。我會說，Maimeri 很適合想要在創作中保有靈活度，又希望色彩保持強烈個性的創作者。
至於畫布，我偏好使用 全麻或半麻畫布，這類布料的韌性與張力比較能承受我不斷堆疊與刮除的技法操作。畫布的底層處理我會使用來自澳洲的 CHROMA Atelier 系列 GESSO PRIMER。這款打底劑我已經用了很多年，它在乾燥後會呈現一種適中偏滑的表面，既能抓住顏料，又不會讓畫面太過乾澀。我尤其喜歡它在打底層之後產生的那種微妙吸附感，讓畫刀可以更自由地表現色彩厚度與穿透效果。
這些材料對我來說，不只是日常工具，而是我思考、感受與畫面之間的橋樑。它們的品質穩定，反應直接，能夠幫助我更準確地掌握畫面的氣息。從創作的角度來說，找到這些能夠長期信賴的媒材，也讓我能夠安心的把專注力放在作品本身。」

時代小編：「您在使用油畫材料的過程中，是否曾經遇到什麼問題，或有過讓您印象深刻的驚喜經驗？」
陳傑強：「創作的過程裡，媒材其實是一個很敏感的存在。我曾經在早期嘗試過一些比較低價的顏料品牌，當時很直觀地被顏色吸引，但畫完後乾燥的過程裡卻發現色彩明顯變暗，甚至偏灰，特別是像群青、朱紅這類本身就比較敏感的色系，整體畫面就會失去那種我原本想要保留的透明感與深度。這對於我追求層次與空氣感來說，是一種滿大的挫折。」
「也正因為這樣的經驗，我後來在選擇顏料上會特別留意品牌的穩定性。高品質的顏料在乾濕之間的色差較小，也更能保留我當下想傳達的色彩氛圍。比方說我常用的藍色系，每一支藍都有自己的『性格』，有些一碰上其他顏色就容易變灰，有些則能保有明亮與清澈。這些細微的反應，只有在長期反覆實驗中才摸得出來。」
「有趣的是，顏料的透明度不只是技術參數，它其實也影響情感的傳達。透明度較低的顏色，在調和時常常會產生一種淡雅的氣質——不是互相遮蓋，而是彼此滲透、共存，讓畫面呈現出一種柔和的視覺平衡。我很難用具體的詞去形容那種調色時的感受，有點像是在顏色之間找尋一種『呼吸』的節奏。」
「對我來說，最有驚喜的時刻，往往發生在創作已完成、我退一步去看畫面的時候。當初那些憑直覺迅速留下的筆觸，那些來不及經過太多思考的色彩碰撞，最後竟然能在統一的色調下展現出許多細緻的變化。」

時代小編：「您在調色或用筆上是否有什麼特別的技巧或習慣？能否與我們分享一下？」
陳傑強：「我在調色的時候，習慣先確立畫面的主色調。接著會在一張大約 30F 左右的畫布上，分類調出深、中、淺不同色階的色彩，這樣可以讓畫面整體有一種內部色調的統一性。這個過程有點像是替畫面打底，但其實也是我進入創作節奏的一種方式。」
「就像我剛剛提過的，我很在意顏料的透明度，因為它不只是顏色的明暗，更關係到情緒的穿透力。有時候我會選擇讓透明度高的顏色與較深色調混合，這樣畫面會有一種內斂而不張揚的質地。當我想要跳脫習慣的調色模式時，會嘗試一些比較激烈的組合，像是用螢光綠或粉紅色去混一點 318 的普魯士藍或 819 的暗綠，這些撞色有時會帶來意想不到的驚喜，像是某種不安卻真實的情感。」
「在用筆的習慣上，我第一層鋪色會用一些破筆或豬鬃筆快速地建立色塊的節奏，那個階段我不太在意是否準確，反而更在意畫刀所劃出的光感與方向性。這一層其實比較像是一種情緒性的動作——有點像是在畫布上勾勒一個還在游移的世界，讓畫面保持一種不確定的能量。」
「之後我會開始拉出空間的前後感，一邊建構畫面的主體，一邊讓前面留下的筆觸與畫刀痕跡慢慢融合或被破壞掉。我喜歡這種「建構與破壞」交錯進行的狀態，畫面因此常常會呈現一種抽象與具象之間的張力。」
「最後階段，我習慣退到畫布前面一點距離反覆觀看，確認我真正想表達的東西，是否還留在畫面上。那是一種很私密的確認，也許說是「對話」更貼切——和畫面對話，也和當時的自己對話。」

時代小編：「您覺得媒材是否會影響到畫作的風格與情感表現？甚至會影響構圖或色彩的選擇嗎？」
陳傑強：「我認為材料對創作的影響是非常直接的。它不只是技術上的媒介，很多時候反而是引導畫面氣質的角色。每一種顏料、畫布、甚至媒劑的特性，其實都會回應你的手感、節奏和當下的情緒，久而久之就會形成某種風格的基底。」
「像油畫顏料本身的黏度，就會影響我畫刀的走向。比較黏稠的顏料適合厚塗或直覺性的筆勢，畫面會顯得更厚重；而稀釋過的顏料，或像是我有時會加一點 Liquin 這類媒劑，就能做出細緻透光的疊色，還有時候，創作的方向也會因材料而轉彎。」

「我印象很深，有幾次是因為剛換了新牌子的畫布，吸附力太弱，在使用畫刀快速飛過時，顏料沒有辦法「吃進去」布面，反而堆積在顏料與顏料之間。這會讓原本預想的疊色效果出不來，整個畫面就變得比較厚重密集，那個瞬間其實很像走進了一個陌生的風景。我得重新去安排構圖和色彩的關係，順著這個新的「限制」去重新發展畫面。」
「我常覺得繪畫其實有點像烹飪，鍋具的材質、火候、調味方式都會改變最後一道菜的樣貌。對我來說，材料本身就是語言的一部分，它不是被動的，而是會反過來對創作提出某種挑戰。」

傑強給油畫初學者的材料建議與「雷區提醒」
對剛接觸油畫的創作者來說，選對材料是建立穩定創作習慣的第一步。

市面上油畫工具選擇多元，建議可以多到對材料熟悉的美術社或藝術家那裡請教，交流過程中，常常不只是技術認識，也會幫助你更清楚地看見自己對創作的理解與偏好。

畫布與創作節奏：
我建議初學者選定一個畫布尺寸，一次準備多張，方便累積連續經驗，也比較敢放開手去嘗試。盡量不要在一張畫布上反覆修改，這不但容易讓畫面失去透氣性，也讓思考卡住。

每張畫布都可以是一個重新出發的提問：「我現在真正想表達的是什麼？」

工具的選擇與筆觸練習：
我個人偏好使用畫刀創作。

相比於畫筆，畫刀可以更直接表現情緒和速度，筆觸節奏感明確，也比較不會陷入細節控制的焦慮。對新手來說，畫筆與畫刀交替使用，是練習視覺語言的好方法。
 

材料雷區提醒：
1.【避免使用劣質顏料】

便宜顏料通常顏料濃度低，混色容易變灰，長期下來會影響對色彩的敏感度與正確性。建議從品質穩定的顏料開始，例如法國的 Sennelier（申內利爾）。這牌子不論在色彩飽和度、延展性還是乾濕前後的穩定性都表現穩定。

2.【 掌握油畫的層次邏輯】

油畫的乾燥機制是氧化，不是蒸發。如果底層未乾就上第二層，容易導致畫面表層龜裂或剝落。

3.【注意壓克力與油畫的使用順序】

壓克力可以作為油畫底層，但不能反過來將壓克力塗在乾燥的油畫上——油性表面附著力弱，會導致壓克力日後整塊脫落。

4.【媒劑比例需控制】

亞麻仁油與松節油的混合比例一般建議在 3:1 左右。亞麻仁油能增加光澤與透明度，松節油則主要用於降低顏料黏度、方便鋪色。但切忌以松節油作為主要媒介，過度使用會讓顏料層過於乾裂、失去彈性。
總之，油畫是一種非常仰賴材料特性的媒介。從適合的顏料開始，養成穩定的用材與創作習慣，會讓你在繪畫中更快找到屬於自己的節奏與語言。